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La importancia del dibujo

Partimos de lo general a lo particular.
Partimos geometrizando para llegar a un nivel de realismo en la representación del cuerpo.
Simplificamos para ver en profundidad.

El dibujo, la posibilidad de dibujar, está relacionado directamente con la capacidad de observar. La observación es la base del dibujo y éste es, entre otras cosas, una de las herramientas con las que contamos para decir.



Pero como el pasaje del ojo al papel no es mágico y requiere de trabajo y atención, existen distintas maneras de abordar la acción de dibujar que posibilitan la representación. Entre ellas se encuentra la asociación con formas geométricas que resulta útil para estudiar las cosas que nos rodean. Este ejercicio consiste en mirar con detenimiento y traducir formas orgánicas que nos parecen complejas en formas simples. Entonces, un ojo, por ejemplo, deja de ser el órgano que nos permite ver y pasa a ser un circulo, en plano; o una esfera, en volumen (no por nada también se denomina globo ocular). El volumen, en cierta manera, es lo más complejo de representar con las primeras líneas estructurales, es aquí donde la luz juega su papel fundamental. Tanto en valor (escala de grises) como en color la luz ejerce su acción constructiva, generando diversos matices, oscureciendo la superficie en pliegues, huecos, superposiciones, y brillando en los lugares más convexos.
Con este sistema de pensamiento como planteo, sin olvidarnos de los ejes y las proporciones, podemos construir, hacer aparecer y sostener un cuerpo dibujado. El fin de la intensa observación es poder representar formas, detalles/texturas y lo más importante es lograr acercarnos a cuerpos reales, dibujarlos y que sean creíbles. 
Estamos acostumbrados a llevar nuestro cuerpo, a convivir, a vincularnos con otros cuerpos, pero... ¿qué forma tienen? Si, en algún momento, cuando nos miramos o miramos a otros podemos ver como si fuera la primera vez, como si fuera nuevo para nosotros, ver sin formas preconcebidas, entonces observar nos va a permitir conocer, pero por sobre todas las cosas descubrir.

Melisa Scisciani




























 


De la técnica al estilo personal 
En ocasiones, la creatividad y las dotes artísticas quedan truncadas por la falta de los conocimientos técnicos necesarios para plasmarlas. Éste libro debe ser entendido como una herramienta que ayuda a dominar las claves de la ilustración de figurines para lograr visualizar, las ideas y los proyectos que nacen de la imaginación.
Conocer las proporciones anatómicas, saber desplazar el peso del cuerpo en las distintas poses y ángulos u otorgar naturalidad a los ' giros son algunas de las técnicas que hay que aprender a dominar para, más adelante, adoptar un estilo propio, sintetizar el figurín, estilizarlo o deformarlo dando rienda suelta a la creatividad.
A lo largo- de la historia del dibujo, íntimamente vinculado a la moda desde mediados del siglo XIX como herramienta de visualización de conceptos, los artistas han aprendido primero a desenvolverse en el estilo de la vieja escuela, la realista, para poste­riormente evolucionar hacia ideas más abstractas. Todos ellos han conocido la técnica y las reglas de la proporción antes de sucum­bir a movimientos más vanguardistas. Éste es el caso de genios tan conocidos en la disciplina pictórica como Van Gogh o Picasso, cuyos primeros trazos se esbozaron en el realismo para teñirse más tarde de neoimpresionismo o cubismo. Pero no hay que olvi­dar que la técnica aprendida subyacía en todas sus creaciones, aunque sólo sirviera para romper del todo con sus esquemas.
El primer paso para desenvolverse en el mundo de la ilustración de moda o de figurines es dominar el dibujo al natural por medio de la práctica: saber cómo representar los distintos movimientos, reflejar la  proporción de las partes del cuerpo y descubrir los' secretos' para lograr la naturalidad necesaria que aporta sensación de realismo a los figurines. Una vez logrado, es hora de aplicar la parte más creativa: la de la indumentaria. Los volúmenes y la caída de las telas, pegadas al cuerpo u holgadas, las costuras, mangas o cuellos tienen infinitas variaciones que, con la ayuda de este libro, podrás aplicar de manera correcta y coherente con cada postura.
Este manual ayuda a plasmar sobre el papel todas aquellas ideas qué surgen en la cabeza y que, en ocasiones, se desvanecen tras no lograr su representación tal y como se había imaginado. Los múltiples ejemplos de poses que ilustran las páginas de este libro lo convierten en una perfecta plantilla, un volumen indispensable sobre la mesa de trabajo que permite trazar las diferentes postularas y gestos a partir de la observación y la reproducción de los numerosos figurines incluidos, para posteriormente poder cendrarse en la indumentaria, sin que ningún obstáculo ponga límites a la propia creatividad.
''Si miramos hacia atrás en la historia encontramos, un personaje a quien su talento como dibujante le abrió las puertas del mundo de la moda: Paul Poiret Su habilidad a mano alzada le proporcio­nó un puesto en el taller de Jacques Doucet, famoso modisto de la época, y pocos años más tarde Poiret, convertido en toda una celebridad, vistió a los personajes más renombrados y admirados de la sociedad parisina.
Con el paso del tiempo, otros diseñadores y modistos han ¡do dejando huella gracias a sus creaciones -inicialmente plasmadas en sus particulares figurines, coloreados y estampados con las téc­nicas más diversas (lápices de colores, acuarelas, rotuladores ceras, etc.)-, como por ejemplo Jeanne Paquin, la auténtica pione­ra de los desfiles de moda entendidos como un espectáculo, Lanvin, Chanel, Calvin Klein o Jean Paul Gaultier, entre muchos otros genios.
La intención de este libro es, en definitiva, proporcionar al lector las herramientas necesarias para que las ideas puedan ser plasma­das con la mayor fidelidad, posible en las ilustraciones y, a su vez; alentarlo a encontrar un estilo propio. Hoy en día las ilustraciones de moda no son un mero medio de representación visual sino piezas entendidas como arte por sí solas, lo que abre nuevas pers­pectivas en el mundo del dibujo y la creatividad que no hay que dejar escapar.






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 Geometrales
El geometral es el dibujo técnico de la prenda diseñada. Sirve para dar información completa de la misma a la persona que la construirá, por ende debe contener la mayor cantidad de datos.

Tipos de geometral
El geometral es la pieza fundamental de las fichas técnicas. Cuanta mayor sea la complejidad de la prenda mayor información se deberá ofrecer.
Geometrales:

1-para mostrar tipos de uniones, costuras-pespuntes y terminaciones de borde de la prenda
2-para mostrar detalles constructivos de la prenda (zooms)
3-para mostrar medidas de la prenda (cotas)

1-      Uniones: son las zonas que construyen propiamente la prenda, lo que le da forma (laterales, sisas, hombros, canesúes etc.)
Costuras-pespuntes: refuerzan    una    unión    o    simplemente funcionan como decoración de la prenda.
Terminaciones     de     borde>son     los     dobladillos,     ruedos,  botamangas, cuellos, carteras etc.

El tipo de construcción de la prenda dependerá del textil que se empleará para la misma.
Hay dos grandes grupos de tejidos:  
>tejido de punto: son los textiles con "rebote" y se forman con un solo hilo que se teje asimismo formando "mallas"
>tejido plano: están formados por la urdimbre y la trama.

2-      los zooms> se utilizan para una mejor visualización de los, detalles   constructivos   de   la   prenda   (sistemas   de   aperturas, regulaciones, tipos de avíos, etiquetas etc.)
También podemos utilizar zooms parsi las estampas. Si la prenda tiene algún estampado o aplicación en alguna zona o en la totalidad de la misma.
Se realiza un zoom con la estampa en color o bien se puede hacer una lámina aparte para la estampa con sus variaciones de color, etc
Cuanto más compleja sea la construcción de la prenda más zooms tendrá.

3-      las cotas> sirven para saber qué medida deberá tener la prenda una vez terminada. Básicamente largo, ancho, contornos, alturas. Se utilizan medidas en centímetros y pueden incluirse los números a la prenda o bien referencias y un cuadro con las medidas  correspondientes a cada zona.

Materiales
Pistolete
Escuadra
Escalímetro
Marcador rotring 00/01 >pespuntes, ojales, avíos etc.
Marcador rotring 05/06 > líneas externas y divisorias de planos

Modos de realización

A mano> por medio del dibujo técnico.
La  realización  debe  ser rigurosa  ya  que  de  él  dependerá  el resultado deseado en la confección del prototipo, por ende debe ser exacto con la realidad de la prenda. Se trabaja en plano, la prenda ordenada respetando su moldería.
Se incluirá la escala en la que se hizo, generalmente se trabaja en escala 1:10, dependiendo del tamaño de la prenda.

Pc> usando el corel draw, partiendo de figuras geométricas o de un figurín en escala 1:10.
1m=10cm

Mixto> se dibuja técnicamente la forma de la prenda a mano, se scannea y se la termina con la pc, completando: pespuntes, avíos, terminaciones de borde etc. También podemos utilizar el mismo geometral base para realizar cotas, zooms etc.


























 













El cuerpo diseñado. El lenguaje de la vestimenta.
Andrea Saltzman, Ed. Paidos.
Sintaxis:
Del griego: coordinar
Conjunto de reglas que define una secuencia.
Parte de la gramática que enseña a coordinar y a unir las palabras para formar las oraciones.

Significados
Los elementos de la vestimenta configuran una sintaxis a partir de la relación que establecen entre sí y con el cuerpo. No es lo mismo un traje de tres piezas vestido con zapatos o con zapatillas, ni con la camisa dentro o fuera del pantalón, ni hecho de pura lana o bordado; con lentejuelas, ni en el cuerpo de un hombre, un niño o una mujer.
Así como la vestimenta configura un sistema de significación, el cuerpo también expresa y significa. Comunica información acerca de la edad, la sexual dad, el modo de vida y hasta el carácter de un individuo, mediante la postura y el movimiento. El peinado, el maquillaje, el tatuaje y otras intervenciones estéticas resaltan su aspecto social, Io que junto con la vestimenta termina de dar sentido y particularidad al diseño. Como señala Squicciarino (1980): "Nuestra apariencia ante los demás es el resultado de la arquitectura anatómica del cuerpo y de todas sus modalidades expresivas.
(…) Disociados de esta actividad comunicativa no verbal, los distintos elementos de la indumentaria se reducirían a la insignificante función de vestir un objeto inanimado como si fuera una percha. Pero por el contrario, como parte de un todo dinámico y armónico, el vestido siempre significa algo y transmite información vital en relación a los hábitos, el grupo étnico al que el individuo pertenece, su grado de religiosidad, independencia, originalidad o excentricidad, así como su concepción sobre la sexualidad y el cuerpo. El vestido puede emplearse para señalar la actitud hacia los demás, en particular el nivel de disponibilidad sexual, la agresividad, la rebeldía, la sumisión, la formalidad, para distinguir el estatus social y económico para compensar los sentimientos de inferioridad social".

Foto: La prenda interior se expone a la superficie mediante la transparencia, cobrando protagonismo  y replanteando su rol. Dis.: Laura Valenzuela (BAF 2003)
Foto: La relación entre el vestido y el cuerpo, con todas sus modalidades expresivas, es la que da sentido al diseño. Dis.: Grippo (1999)

El cuerpo vestido cobra un sentido específico según el contexto en el que se desempeña el usuario: no es lo mismo una biquini en la playa que en el distrito finan­ciero, o un poderoso escote en una reunión de trabajo que en una fiesta nocturna. Umberto Eco resumió esta situación de manera magistral, casi como una fórmula: "Lleva una minifalda en Catania: es una muchacha ligera. Lleva la minifalda en Milán: es una muchacha moderna. Lleva la minifalda en París: es una muchacha. En Hamburgo, en el Eros: puede que sea un muchacho".
El hecho es que el cuerpo del usuario-contextualiza al vestido, y el cuerpo vestido se contextualiza a partir del escenario en el que se presenta.


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